Een warm eerbetoon aan David Hockney
Bij VeDi-Trips droegen we de Britse meester een warm hart toe. Naar aanleiding van zijn indrukwekkende tentoonstelling in België doken we destijds met twee uitgebreide artikelen in zijn unieke universum. Zijn focus op perspectief, kleur en pure levensvreugde heeft ons sindsdienst niet meer losgelaten.
https://www.vedi-trips.be/l/expodavidhockney/
https://www.vedi-trips.be/l/cap-mons-hockney-van-gogh/
Nu hij er niet meer is, bewijzen we Hockney graag de eer die hij verdient. In een prachtig overzichtsartikel neemt gastbijdrager MJ Rivera ons, aan de hand van tien van zijn meest spraakmakende kunstwerken, nog één keer mee op reis door het leven van dit onvergetelijke icoon. Want zoals Hockney het zelf gewild zou hebben: we treuren niet, maar vieren het leven.
Lees hieronder het volledige eerbetoon:
Herinneringen aan David Hockney in 10 kunstwerken
Geniet van het leven!
Auteur: MJ Rivera
Weinigen zullen echt geschokt zijn door het verlies van een kunstenaar die een maand voor zijn 89e verjaardag overlijdt. En toch sloeg het nieuws in toen David Hockney op 11 juni 2026 stierf.
De in 1937 geboren Brit uit Yorkshire — die andere queer-iconen zoals Andy Warhol en Keith Haring overleefde en destijds als jonge rebel opklom van Young Contemporary tot lid van de Royal Academy of Arts — had zijn plek tussen de allergrootsten in de kunstgeschiedenis dubbel en dik verdiend. Maar Hockney en de dood? Die twee lijken simpelweg niet bij elkaar te passen. Laten we de wereld van David Hockney eren en verkennen aan de hand van tien van zijn kunstwerken.
Met zijn kenmerkende bril en onafscheidelijke sigaret was David Hockney zeven decennia lang gefascineerd door de vele manieren waarop de werkelijkheid kan worden waargenomen en weergegeven. Werkend met schilderkunst, tekenen, grafiek, fotografie, collage, video, decorontwerp, digitale kunst en zelfs iPad-afbeeldingen die de stemming verbeterden tijdens de COVID-19- pandemie, daagde Hockney ons uit om de wereld om ons heen te vieren, en benadrukte hij dat "het proces van kijken op zich al iets mooi kan maken".
1. We Two Boys Together Clinging, 1961
Hockney maakte het werk toen hij nog student was aan het Royal College of Art, zes jaar voordat de Britse Sexual Offences Act van 1967 homoseksuele relaties tussen mannen gedeeltelijk gecriminaliseerde.
De titel is afkomstig van een gedicht van Walt Whitman en maakt homoseksueel verlangen en gecodeerde queer expressie zichtbaar in een tijd waarin het openlijk tonen van homoseksuele liefde niet alleen gevaarlijk, maar ook illegaal was. In de jaren 60 begonnen kunstenaars, geïnspireerd door de seksuele revolutie en de homorechtenbeweging, queer identiteiten openlijker te behandelen.
Hockney nam een citaat op uit Whitmans dichtbundel Leaves of Grass uit 1855 , maar liet het titelvers weg: "We two boys together clinging, / One the other never leaving. "Door Whitmans initialen-als-getallen-code in zijn vroege werk te gebruiken (1 voor A, 2 voor B, enz.), verhulde de kunstenaar deels homo-erotische verlangens in zijn schilderijen; hij gebruikte het getal 4.8 voor David Hockney (4 voor D, 8 voor H) en 4.2 voor "Doll Boy" Cliff Richard, de Britse popidool op wie hij als schooljongen verliefd was. De woorden "Never" en "Yes" zijn te zien tussen de gekrabbelde lippen van de jonge mannen. Hockneys ruwe verftechniek en de ongesofisticeerde figuren werden beïnvloed door de naïeve stijl van de Franse kunstenaar Jean Dubuffet.
2. A Bigger Splash, 1967
Hockney heeft de coole esthetiek van Zuid-Californië niet uitgevonden, maar A Bigger Splash heeft het beeld ervan wel wereldwijd vastgelegd. Hij verhuisde in 1964 naar Los Angeles en, naar eigen zeggen, raakte hij er helemaal door gefascineerd. Hockney woonde de volgende zes decennia met tussenpozen in de stad; de alomtegenwoordige zwembaden van LA werden een terugkerend motief. Het is het laatste en grootste van Hockneys drie "Splash"-schilderijen, die elk verder zijn uitgekleed. Het laatste, minimalistische schilderij, gemaakt terwijl Hockney lesgaf aan de Universiteit van Californië in Berkeley, straalt pure Golden State uit: een roze huis met één verdieping, een duikplank, twee hemelpalmen en een vlakblauw zwembad onder een wolkeloze hemel.
De scène is niet naar de natuur geschilderd. Het zwembad is gebaseerd op een foto in een handboek, het huis op een van Hockneys eigen eerdere tekeningen. Alles behalve de spetter is vlak en glad aangebracht met een verfroller, de lijnen scherp, de kleur egaal. De spetter is de uitzondering, stukje voor stukje uitgewerkt met kleine penseelstreken, de enige plek in het schilderij waar je de hand van de kunstenaar kunt zien. Ironisch genoeg besteedde Hockney twee weken aan het meest vluchtige element in het schilderij, een waterspat die in een seconde verdwijnt. Zijn koele, grafische Californische schilderijen leidden rechtstreeks naar de grote naturalistische portretten die hem tot een van de meest invloedrijke hedendaagse Britse kunstenaars maakten .
Hockney heeft de coole esthetiek van Zuid-Californië niet uitgevonden, maar A Bigger Splash heeft het beeld ervan wel wereldwijd vastgelegd. Hij verhuisde in 1964 naar Los Angeles en, naar eigen zeggen, raakte hij er helemaal door gefascineerd. Hockney woonde de volgende zes decennia met tussenpozen in de stad; de alomtegenwoordige zwembaden van LA werden een terugkerend motief. Het is het laatste en grootste van Hockneys drie "Splash"-schilderijen, die elk verder zijn uitgekleed. Het laatste, minimalistische schilderij, gemaakt terwijl Hockney lesgaf aan de Universiteit van Californië in Berkeley, straalt pure Golden State uit: een roze huis met één verdieping, een duikplank, twee hemelpalmen en een vlakblauw zwembad onder een wolkeloze hemel.
3. De heer en mevrouw Clark en Percy, 1970-1971
'Mr and Mrs Clark and Percy' wordt beschouwd als een meesterwerk van de moderne Britse portretkunst. Het grote acryldoek toont Celia Birtwell, textielontwerpster en al jarenlang muze van Hockney, en haar toenmalige echtgenoot, modeontwerper Ossie Clark.
Hockney ondermijnt de traditionele conventies van huwelijksportretten door Birtwell te laten staan terwijl haar man zit.
Het lichtste deel van het schilderij bevindt zich in het midden, wat een uitdaging vormt voor de toonwaarden en Hockney de mogelijkheid biedt om zijn beheersing van zacht, natuurlijk licht te demonstreren. Het draagt ook bij aan een geladen sfeer door het scherpe contrast met de donkere figuren op de voorgrond.
(Leuk weetje: de kat heette eigenlijk Blanche en Hockney koos ervoor om de naam van een andere huiskat, Percy, als titel te gebruiken!)
Dit doek behoort tot een reeks van zeven indrukwekkende dubbelportretten, geschilderd tussen 1968 en 1975, waarop de figuren levensgroot in hun eigen huis zijn afgebeeld.
Twee belangrijke werken in de reeks zijn American Collectors (Fred en Marcia Weisman) en Christopher Isherwood en Don Bachardy, de romanschrijver en zijn partner, de kunstenaar, thuis in Santa Monica. De reeks eindigt met een schilderij dat Hockney nooit heeft afgemaakt, George Lawson en Wayne Sleep. Hockney probeerde jarenlang het schilderij te herwerken, op zoek naar de ruimtelijke precisie die hij bewonderde bij de oude meester Piero della Francesca. Omdat hij zijn doel niet kon bereiken, verwierp de kunstenaar het naturalisme. Hij schonk het onvoltooide doek in 2014 aan Tate.
4. Portret van een kunstenaar (Zwembad met twee figuren), 1972
5. Decor- en kostuumontwerpen voor The Rake's Progress, 1975-1979
De serie volgt Tom Rakewell, een jonge erfgenaam die zijn fortuin verkwist en uiteindelijk in het beruchte Bedlam-gesticht in Londen belandt. Eerder in zijn carrière had Hockney zich laten inspireren door Hogarth toen hij zichzelf portretteerde als de losbandige jonge homoseksuele kunstenaar die zijn weg zoekt in New York City, in 16 etsen die hij maakte tussen 1961 en 1963.
De ontwerpen voor Stravinsky's opera waren gebaseerd op arcering, de strakke, parallelle lijnen die in prenten worden gebruikt om schaduwen te creëren. Hockney beperkte het kleurenpalet tot rood, blauw en groen, de inktkleuren die in Hogarths tijd beschikbaar waren. Hij werkte intensief aan alle praktische details, maakte uitgebreide kostuumstudies in aquarel en inkt en bouwde schaalmodellen. Zijn ontwerpen kwamen tot leven als oude prenten, maar met een speelse Hockney-twist. Een multimediale installatie met Hockneys vele beroemde ontwerpen is gepland in de Turbine Hall van Tate Modern ter gelegenheid van wat zijn 90e verjaardag zou zijn geweest in 2027.
6. Pearblossom Hwy., 11-18 april 1986, nr. 2
De meest intense kennismaking van Hockney met het kubisme en de moderne kunstenaar die hij het meest bewonderde, Pablo Picasso, vond plaats toen hij de complexe fotocollages bedacht die hij 'joiners' noemde.
Rond 1982 begon Hockney met het samenstellen van beelden uit meerdere kleine foto's, genomen vanuit verschillende hoeken en posities, als een puzzel. De joiners stelden Hockney in staat om verschillende gezichtspunten en momenten binnen één werk te tonen. Hij maakte in een paar maanden tijd zo'n 150 joiners, te beginnen met zijn eigen huis en tuin, voordat hij zich richtte op vrienden, familie en het Amerikaanse Westen. Pearblossom Hwy., 11–18 april 1986, #2 is het ultieme hoogtepunt van die aanpak.
Hockney fotografeerde een week lang een kruispunt in de Mojave-woestijn. De eerste versie van het werk was in opdracht gemaakt voor een artikel in Vanity Fair, maar werd nooit gepubliceerd. Deze tweede versie is opgebouwd uit grotere afdrukken, waardoor de uiteindelijke collage ook groter is, met afmetingen van ongeveer 1,8 x 2,7 meter. Beide versies bevinden zich nu in het Getty Museum. Hockney noemde de samengestelde afbeeldingen "een panoramische aanval op het eenpuntsperspectief uit de Renaissance ". Andere bekende voorbeelden zijn een portret van Hockneys moeder uit 1982, opgebouwd uit tientallen afzonderlijke frames, en zijn poging om het uitgestrekte landschap van de Grand Canyon in één fotocollage vast te leggen.
7. Een grotere Grand Canyon, 1998
Hockneys visuele experimenten met een van de grootste natuurwonderen ontstonden uit een fascinatie voor de uitgestrektheid ervan en de beweging van licht en kleur over de gelaagde rotsformaties die hij waarnam tijdens zijn eerste bezoek aan de plek in de jaren 60. Dit monumentale olieverfschilderij werd uit het geheugen geschilderd in Hockneys enorme studio in de Hollywood Hills, geïnspireerd door fotocollages van de Grand Canyon die hij in de jaren 80 maakte en Thomas Morans panoramische versie uit de 19e eeuw. Het bestaat uit 60 afzonderlijke doeken, gerangschikt in een raster van ongeveer 2 bij 7 meter. Als een verkenning van Hockneys concept van perspectiefomkering heeft elk deel een eigen gezichtspunt, waardoor de kijker als het ware de ruimte in wordt gezogen.
Diezelfde obsessie met hoe we visuele informatie verwerken, bracht Hockney naar zijn volgende project. Hij omarmde de onorthodoxe opvatting dat bepaalde werken van oude meesters optisch te nauwkeurig waren om uitsluitend met het blote oog te zijn getekend. In 2001 publiceerde hij het controversiële boek Secret Knowledge , waarin hij betoogde dat schilders al eeuwenlang spiegels en lenzen gebruikten om dat realisme te bereiken. Kunsthistorici waren niet gecharmeerd van een 600 jaar oude theorie met weinig bewijsmateriaal, en de discussie hierover zorgde de rest van zijn leven voor vermakelijke debatten.
8. Grotere bomen in de buurt van Water, 2007
Nadat hij een ster was geworden in het altijd zonnige Los Angeles, inclusief zijn huis in Hollywood Hills, keerde Hockney in de jaren negentig regelmatig terug naar Yorkshire om zijn bejaarde moeder te bezoeken. Zij overleed in 1999. Uiteindelijk verhuisde hij naar het kustplaatsje Bridlington en wijdde hij bijna een decennium aan landschapsschilderkunst , waarbij hij de zon en palmbomen verruilde voor de wisselende seizoenen en glooiende heuvels van zijn geboortestreek in Noord-Engeland. De bloei van de meidoorn in de lente, de prachtig dichte witte bloesem van de meidoornboom, werd een jaarlijkse fascinatie voor hem.
Hockney liet zich eindeloos inspireren door het Engelse landschap . Hij bracht de techniek van het samenstellen van grote afbeeldingen uit meerdere kleinere kaders, die hij samen met zijn timmerlieden had ontwikkeld, tot volle expressie in het schilderij dat later een muurschildering werd: Bigger Trees Near Warter. Het werk is meer dan 12 meter breed en bestaat uit 50 doeken, geschilderd vanuit verschillende perspectieven. Het beeldt een plataanbos in Yorkshire af, vlak voor de lente, met verbazingwekkende details. Elk doek werd in de open lucht geschilderd, vervolgens gescand en samengevoegd met behulp van digitale fotomozaïektechnieken. Het uiteindelijke werk werd tot stand gebracht met de hulp van Hockneys team en nauwgezet gedocumenteerd met duizenden foto's. Het werd in 2008 aan Tate geschonken.
9. 82 portretten en 1 stilleven, 2013–2016
Hockney keerde langzaam terug naar de portretschilderkunst. Hij was gestopt met schilderen en had Yorkshire verlaten voor Los Angeles, om vervolgens weer te beginnen met een enkel portret van zijn jarenlange assistent en partner, JP Gonçalves de Lima. De sessies vormden een serie . Tussen 2013 en 2016 liet hij 82 familieleden, vrienden en figuren uit zijn artistieke kring plaatsnemen in dezelfde gele stoel. Tegen dezelfde blauwgroene achtergrond, op identieke doeken van 122 bij 91 centimeter, schilderde hij elk naar het leven gedurende twee of drie dagen in wat hij een "20-uur durende belichting" noemde. Voor deze serie schilderde hij alleen mensen die hij kende, ervan overtuigd dat hoe beter hij het model kende, hoe waarheidsgetrouwer het portret zou zijn.
Werkend in de Britse portrettraditie, vergeleek Hockney zich met de Oude Meesters, van wie hij herhaaldelijk betoogde dat ze sterk leunden op optiek. Hij beschouwde de 82 schilderijen, plus een stilleven met fruit op een bankje, als één geheel in plaats van afzonderlijke portretten. Kunsthandelaar Larry Gagosian, architect Frank Gehry en conceptueel kunstenaar John Baldessari komen voor, maar ook vrienden, helpers en zijn zus Margaret, die elk dezelfde schaal en aandacht krijgen. Birtwell keert ook terug, de muze en goede vriendin die hij veertig jaar eerder beroemd schilderde, samen met haar kat Percy.
10. iPad-schilderijen, Aankomst van de lente, Normandië, 2020
Als eeuwige vernieuwer past Hockneys omarming van digitale technologie perfect bij de rest van zijn carrière. Al sinds de jaren tachtig liep hij voorop met experimenten waarin hij de modernste apparatuur van die tijd — zoals faxmachines en kantoorkopieerapparaten — in zijn kunst integreerde. Zo nam hij in 1989 zelfs deel aan de Biënnale van São Paulo met een kunstwerk dat volledig via de fax was samengesteld. Daarnaast was hij een van de eersten die experimenteerde met digitale kunstprogramma's op de Macintosh en maakte hij videokunst met de toen net nieuwe, draagbare high-definitioncamera's.
Hockney bleef zijn hele leven experimenteren. Hij was een van de eerste grote schilders die de artistieke mogelijkheden van digitale tools zoals de iPhone en iPad ten volle benutte, tot op zeer hoge leeftijd. Voor hem was het gebruik van technologie geen goedkoop trucje, maar de bekroning van een carrière die volledig in het teken stond van een onophoudelijke zoektocht naar nieuwe manieren van kijken.
Namens het hele team van VeDi-trips willen we MJ Rivera hartelijk bedanken voor dit inspirerende artikel. We hopen dat u, als lezer, net zo heeft genoten van deze selectie uit het rijke oeuvre van de onvergetelijke David Hockney. Natuurlijk is een lijst van tien werken slechts een bescheiden greep uit een leven vol kleur en innovatie; er zijn immers nog zo ontzettend veel andere meesterwerken van deze grote kunstenaar die het bespreken waard zijn. Laat deze selectie vooral een uitnodiging zijn om zijn grenzeloze wereld zelf verder te blijven ontdekken.
Zin in nog meer ontdekkingen?
1) zoek je naar andere bezienswaardigheden in de buurt, raadpleeg dan onze Toeristische kaart van VeDi-Trips.be.
2) Je kunt onze overzichtslijsten raadplegen: per thema of per regio
3) Je kunt ook altijd toeristische diensten raadplegen.
Fotografie: © Veerle Boriau (tenzij anders vermeld) Openingsfoto: singulart.com - Intro Tekst: Diane Geerts | Gepub. 6 juli 2026
Een gastbijdrage van MJ Rivera (Auteur) Dank je wel DailyArt Magazine - Szymon Jocek (Senior Redacteur)
Link naar het oorspronkelijke stuk: https://www.dailyartmagazine.com/david-hockney-10-artworks/